大卫艾克(欧洲文艺复兴对西方现代绘画有哪些重要的影响)
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2023-11-03
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1. 大卫艾克,欧洲文艺复兴对西方现代绘画有哪些重要的影响?
没有它也就没有了西方现代绘画的今天——伟大的文艺复兴运动
文艺复兴所针对的就是中世纪的宗教艺术,如果从绘画的角度去看待当时的中世纪的艺术,真是让人搞不明白,为什么在古希腊和罗马的时代有那么辉煌的艺术,经过了一千多年的时间,在中世纪的艺术怎么就成了那种鬼样子。都说历史是不断向前发展的,我认为中世纪的艺术应该算是一种倒退,最起码也是一种停滞的状态。
——意大利 贝利尼作品《众神的聚餐》
文艺复兴的本源是为了重新认识和振兴古罗马和古希腊的文学和艺术,但实际是一种继承基础上的真正的发展和突破,可以说没有文艺复兴也就不会有现代绘画现在的局面,我个人认为思想的解放和理论与技术的革新是影响西方现代绘画最主要的两个方面。
——意大利 波提切利作品《唱歌的天使和圣母子》
一、思想上的解放
1、文艺复兴让绘画艺术脱离了中世纪宗教艺术的束缚和规范,解放了艺术家们的思想,让绘画成为了一种独立的艺术形式。这是人文主义思想的兴起,也是文艺复兴的核心。
——意大利 拉斐尔作品《西斯廷圣母》
2、从这时开始,艺术家们意识到了文学艺术要表现人的思想和感情,要发展人的个性并提倡个性自由,肯定了人才是生活的创造者,展现了无所不包的近代精神。艺术家们把圣母变成了凡间的妇女,把使徒神明的形象化为对人体的歌颂,也开始描绘现实当中人们的日常生活。
——意大利 米开朗基罗作品《创造亚当》
3、思想的解放也是艺术家们个性的释放,这也是时代发展的必然趋势,没有这种意识,也就不会有艺术上的发展和创新,现代艺术百家争鸣、百花齐放的局面也就不可能出现了。
——尼德兰 韦登作品 《基督降架》
二、绘画理论和技术上的革新
1、文艺复兴时期的艺术家们借助理性和科学的知识,在创作中开拓出新的局面。“透视法”的出现成为新的艺术诞生的决定性因素,他让画家可以创作出人人都能理解的生动的想象和场景,让绘画艺术成为一种再现性的艺术形式,开放了现实主义的先河,让从宗教艺术中独立出来的西方美术成为真正意义上的绘画。
——尼德兰 勃鲁盖尔作品《农民的婚宴》
2、在15世纪尼德兰画家杨·凡·艾克对于油画技术的重大革新,创造了以油性媒介作为调和剂的绘画技术,改变了以往蛋彩作画的各种弊病,这对于西方乃至全世界的绘画艺术都产生重大的影响。在此基础之上,后来经过威尼斯画派的进一步革新,油画开始在绷在木框上的帆布上进行创作了,至此才真正完善了我们今天还在应用的油画技术。
——意大利 乔尔乔纳《暴风雨》
3、当然,在文艺复兴运动中对于绘画艺术起到重大推动作用的还有一项内容,那就是“解剖学”,它让人们更深刻透彻地了解自己,在绘画中进一步追求准确性和严谨性。在这方面,伟大的达·芬奇功不可没。“解剖学”和“透视法”一样,并成为绘画史上影响最为深远的两大成就。
—— 意大利 提香《花神》
结语文艺复兴运动是一场伟大的思想解放运动,是一场科学与艺术的革新运动,他是中古时代与近、现代艺术的分水岭,有着真正的承上启下的、划时代的意义和推动的作用,在那个各种艺术流派风起云涌的时代,艺术大师层出不穷,为西方美术的发展奠定了崇高的地位,也为现代绘画的发展打下了坚实的基础。
——意大利 达·芬奇《耶稣像》
不同的视角,互通的视界,我是魔韵,欢迎同道互动关注交流。
2. 有科学家提出宇宙不存在?
有的科学家提出宇宙不存在,因为科学家是走在人类文明的最前端,毕竟他们所研究的都是实际生活中的“高”“精”“尖”的项目,以及变化莫测的神迷宇宙,很多成果都是探索研发之中!只是提出了想法,还有待进一步去验证,不论咋说,我只知道自己是宇宙世界里的一分子!
3. 有哪些名画隐含一些有趣的暗喻或者不为人知的小细节?
艺术家创作很多时候不能凭空想象,需要有现实的参照,作家笔下的人物有原型,画家笔下的人物有模特。欧洲历史上很多大画家都会把自己画进作品里,这样他们就能和自己的伟大作品一起流传后世了。这是画家的一点小私心,一种特别的签名方式,让自己和自己的作品融为一体,永不分离。比如文艺复兴三大师之一的拉斐尔,他就在他的代表作《雅典学院》的右下方画了自己的四分之三侧脸像。画中的拉斐尔目光直视画外,似乎在看向观众,告诉所有人“这就是我画的”。
雅典学院
拉斐尔本尊
拉斐尔把自己画进一群古典大师中间略有些自恋,不过他也没孤芳自赏,他还把另两位文艺复兴大师也画了进去。他让达·芬奇扮演站C位的柏拉图,让米开朗基罗扮演托腮思考问题的哲学家赫拉克利特。这两位位置都比拉斐尔自己显眼,算是对两位老前辈的尊敬。
一号男主达·芬奇
二号主角米开朗基罗
但也有人认为拉斐尔把米开朗基罗画成独自一人思考的赫拉克利特,是为了表现他的人缘差,没人愿意搭理他。这姑且算是一种说法,但达·芬奇和米开朗基罗两位则的确把他们讨厌的人画进过自己画里。
《最后的晚餐》是达·芬奇最著名的壁画作品,是他为米兰的圣玛利亚·格雷契修道院所画。看这幅画的人必然要找一找其中谁是叛徒犹大,而这个西方最著名的叛徒,他的形象却来源于这个修道院的院长。原来因为达·芬奇在作画过程中,经常要停下来思考,其中一个重要难题就是怎么画犹大。修道院院长不懂其中缘故,认为达·芬奇故意拖延工程进展,就催促他快点完工,达·芬奇立即就找到了答案,把犹大的脸画成了院长模样。这给后世编辑们提了个醒,不要催稿太甚。
最后的晚餐
犹大
另一位大师米开朗基罗脾气更差,惹了他更没好果子吃。在他的壁画代表作《最后的审判》右下方,有一个小JJ被蛇咬了的倒霉蛋,这个倒霉蛋的原型是教皇的一个司仪官,他一直很不喜欢米开朗基罗的画还经常批评他。于是米开朗基罗让他站在教堂入口的大门正上方,每一个进门的人都能看到他那副惨样,报复得够狠够痛快。
最后的审判
疼!
文艺复兴三大师也是凡人,也有喜怒哀乐,也会快意恩仇。他们把讨厌的人画进画里,给他们安排反面和倒霉的角色,这和我们今天恶搞P图是差不多的心理。被恶搞的人心里肯定不舒服,但也没什么办法,你没法证明那个人就是你。就算坐实是你,那也不过是一个角色扮演而已,太过介意显得小家子气。
有些画家自己都不介意,他们甚至给自己安排不好的角色,比如巴洛克主义大师卡拉瓦乔,和拉斐尔的自恋相比,他却是反向的自虐。在《手提歌利亚头的大卫》中,大卫手里提的那个巨人脑袋其实是卡拉瓦乔自己的头像,他完美诠释了那句话,我疯起来连自己都打。
手提歌利亚头的大卫
艺术家和普通人不一样,普通人受气了,顶多心里骂几句,或者画个圈圈诅咒你,艺术家却真的能把你画进他的作品里,不仅他自己能痛快一阵,万一作品成了传世名作,还会有后世无数人来看你的笑话。
所以,总而言之,不要轻易得罪艺术家。
4. 大卫艾克怎样死的?
大卫艾克是一位英国作家、演讲者和足球运动员,他于1952年4月29日出生于英国莱斯特。我不确定你是在问他的死因还是他的原型,但是我可以告诉你他的原型是一个名叫David Icke的人,他是一个神秘学者和调查者。
5. 为什么欧美国家的人喜欢画裸体画?
这与西方源远流长的,社会历史、文化环境和审美偏好,有着重要关系。
早在西方油画出现之前,人体形象,裸露的女子形象,就已是西方文化艺术表现的主要载体之一。
默默在这里,就主要讲讲,自公元前800年古希腊开始,到19世纪的印象派时期,这段时期内,艺术中不断变化的【女性人体】形象。
古希腊时期的女性人体形象,现今流传并保存下来的,大多是雕塑作品,著名的代表如《尼多斯的维纳斯》《断臂的维纳斯》等,古希腊对于女性之美的表达,是纯洁、静美,一种理想美的状态。
古希腊对女性人体之美的审美,是纯洁、矜持,而克制的。古希腊这种审美,极大且极深地影响了,其后西方艺术对于女性人体之美的标准。
到了中世纪,在基督教是当时社会主流的大环境下,女性的形象,总是以圣母角色出现。中世纪作品的圣母,基本上都是僵成化的,她们的脸上没有过多的表情,看着总是冷冰冰的。
在进入文艺复兴时期时,女性形象有了明显的变化。文艺复兴的核心思想“人文主义”,在女性形象、尤其是裸露的女性形象上,有着深刻的体现。虽然文艺复兴时期的画作,很大一部分都是以神话、宗教为题材,但女子们的形象,从冷冰冰的“出尘脱俗”,逐渐回归到了人间的“喜怒哀伤”。
最突出的例子是,文艺复兴三杰中的拉斐尔,他笔下的圣母形象,有了明显的人性色彩,圣母不再是那高高在上、冷冰冰地俯瞰尘世的姿态,更加接近人们生活中,慈爱母亲的形象。
比如说拉斐尔著名的《草地上的圣母》、《花园中的圣母》、《西斯廷圣母》等,从这些作品中,就能非常直观的看到,文艺复兴时期画家们,对于女性人物的感受和描绘,有了很大的进步和表现。
文艺复兴后期,威尼斯的大师提香,又将女子形象融入了繁华富庶的人间世界,他笔下的女性人体,总是姿态娇娆、色彩丰富而艳丽。
而巴洛克代表大师鲁本斯,则将女性形象又作了一个大推进:鲁本斯拓展了女性人体,在艺术绘画中的表现疆域。鲁本斯用他笔下的女性形象告诉世人,除了主流审美下的女子窈窕之美,现实生活中的“丰腴、壮硕、腰粗屁股大”,也可以有另外一番美感。
而到了19世纪的印象派,女性人物形象、画中出现的裸体女子形象,可以说有了真正意义上的,巨大改变和进步。
为什么这么说?因为印象派,重新定义、表现,并且挖掘出,女性人体形象,刻画的全新角度和意义。
非常典型的例子是,“印象派之父”马奈,和他那幅引起当时社会巨大反响,和舆论的《草地上的午餐》。
在《草地上的午餐》之前,西方绘画中所出现的裸女形象,所描绘的是【女神】,而不是现实中的【女人】,马奈这么做,就等于给传承几百年来的古典艺术传统,以重重一击。
在马奈的《草地上的午餐》中,两位衣冠楚楚的绅士,和一位浑身赤裸的女子,公然坐在一处,在草地上共进午餐。而且这位画中女子,是现实中一位风月场所的女子,画中女子目光坦然面向着观众,女性形象在作品中,自此开始有了“自我”的意识。
马奈和他之后的印象派画家们,在绘画题材上大胆出新,追求情感、和绘画表现的更多自由,为绘画的创作打开了更大更广阔的空间。
在他们的笔下,【女性形象,女性人体】,已经不再是千篇一律的形象和符号,而是开始有了自我意识,和各自独特的魅力。
其实在中国绘画中,女性人物形象的作品,也并不少见,但基于历史文化、审美观念等的不同,所呈现出的效果大为不同。
比如说著名《洛神赋图》、《唐宫仕女图》、《韩熙载夜宴图》,还有敦煌壁画中的绝美飞天,在这些作品中,画中女子形象,基本上大都是宽袍大袖、着衣批带,这和西方的人体艺术作品相比,则是另外一种完全不同的美感了。
喜欢的话,欢迎点赞关注。我是默默,持续分享有趣有料的精彩作品~6. 有哪些绘画作品表现的是爱情婚姻的意义?
第一次听说夏加尔是在1999年的英国爱情电影《诺丁山》中,女主在男主的家里发现了夏加尔的一幅名画复制品《 La mariee (新娘) 》然后有了下面这段经典对话
电影中指的就是夏加尔的这幅画《 La mariee (新娘) 》为什么没有湛蓝的天空,没有山羊拉小提琴就不叫爱情了呢?实在不太理解这句话的意思,这导致我对夏加尔充满了好奇。夏加尔是个画家虽然他和毕加索是好朋友,但是不同于毕加索在童年时期受到了专业的绘画教育,童年的夏加尔出身在白俄罗斯的一个贫困犹太家庭。俄国西部的小城,夏加尔的故乡《老维捷布斯克》| 1914宗教信仰视其绘画的才能为一种反叛,所以早年的夏加尔十分的害羞与不自信。1910年,夏加尔只身前往巴黎,开始接触到了更多前卫大胆的艺术思潮。这一点点改变了夏加尔的创作观念,他也逐渐找到了释放内心纯真意象的途径。《我与村庄》这幅温暖而充满恋乡情节的成名作就是在这种释放中诞生的。《我与村庄》I and the Village | 1911『即使来到巴黎,我的鞋上仍沾着俄罗斯的泥土,我不能也无法把俄罗斯的泥土从我的鞋上掸掉。』——马克·夏加尔从这幅成名作中,已经能感受到夏加尔作用于人心的色彩象征力。就连毕加索也说:马蒂斯死后,夏加尔是唯一理解色彩的艺术家正如每一位艺术家都具有属于他个人的命定色调。对色彩如此痴迷和热爱的夏加尔也在一直在寻找他生命中最好的颜色。直到他遇到了他的妻子贝拉贝拉是珠宝商的女儿家境优渥 清丽高贵22岁的惨绿青年邂逅了少女贝拉,他意识到,她是命运对他的恩赐。还记得在小镇河边的桥上,他们第一次相遇的情景,男孩羞涩不语,只有河水发出的潺潺声。夏加尔在第一次见到贝拉的时候写道:“她的沉默,她的眼睛,一切都是我的。她了解过去的我、现在的我,甚至未来的我。”有人说,初次见面就感觉到了离别的隐痛,你必定爱上她了。尽管遭遇家庭的反对和社会的阻挠,夏加尔和蓓拉依旧无所顾忌地相爱了。《蔷薇色恋人》热恋时夏加尔把恋人描绘在画布上。色调唯美甜蜜,在蔷薇色的映衬下,一对恋人目光缠绵。结婚之后,贝拉更是成了夏加尔画中永恒的主角《百合花下的恋人》《恋人》《蜡烛下的恋人》《蓝色恋人》《灰色恋人》《街道上空的恋人》《飞跃埃菲尔铁塔的恋人》可以说,贝拉装饰了夏加尔的梦。不论何时何地,只要有贝拉在的地方,都美成一幅画。1914年7月7日,夏加尔不记得当天是自己的生日,贝拉特意穿上长裙,早早在郊外采摘了带有泥土芬芳的鲜花,还有亲手制作食物来到夏加尔的画室。《生日》夏加尔再也忍不住他的情感,在贝拉插花的时候,调皮的轻轻一个回首吻,让腼腆的贝拉顿时瞪大了眼睛,但是却是充满了幸福的错愕感。18天后,他向她求婚。此后,每年结婚纪念日,夏加尔都为妻子作画。『只要一打开窗,她就出现在这里,带来了碧空,爱情与鲜花。』——夏加尔美丽的贝拉总是牵着夏加尔的手,在天空和大地间飞翔,左下角炽热的红色美的耀眼夺目。爱,大概真的能让人飞起来吧。婚后他们有了孩子,夫妻两一起给儿子洗澡,画面里少了往日的绚丽,多了一分朴实的幸福。贝拉是夏加尔的灵感缪斯,款款深情全在笔墨中,她像蓝水晶般闪耀,像晕眩整个春天的蔷薇那般明媚…鲜亮绚丽的色泽,飞在天上的红色骏马,手捧鲜花的爱人…贝拉的爱倾洒在画板上,或如蓝水晶般的碧蓝,或如满目迷眼的炽红,或如波浪翻滚的油绿色。他用画笔和颜料表达爱,她用小提琴拉奏颂歌,夏加尔的画笔,因为妻子贝拉奏出了天籁。夏加尔说:“爱,是最美的颜色”伴随着不断成长的夏加尔颠沛流离,功成名就。此刻,我对夏加尔爱的信仰深信不疑。二战期间,随着对犹太人迫害的加重,在维希政府发布了反犹太法令,几度犹豫后,他们最终下定决心前往美国避难。那幸福的生活,那些爱情的颜色在1944年戛然而止。那是夏加尔一生中最黑暗的一天在药物缺乏的条件下,贝拉因肺病去世,留下了他孤身一人。多年陪他的爱人就这样,突然消失了。他哽咽地说:“在我眼前,每件事都变成了黑色。”对他来说,这是此生最大的悲恸,整整九个月他的世界失去了色彩,都是昏暗的一片,几乎无力拿笔作画。终于,几年后,夏加尔忍着极大的悲伤,为她画了《献给过去》这张“暗蓝色”色调的画作,时刻抽动着夏加尔内心深处的忧郁与哭泣的灵魂,从前画里的甜蜜、跳跃、愉悦、梦幻荡然无存。自从贝拉走了以后,那一抹蓝,便再也抹不掉。《蓝色的钟》在夏加尔去世前三年,而贝拉也离开他快40年了。画里依然是家乡维捷布斯克,依然是贝拉。右上角的画家转头看着那对情侣——那不是青年时在家乡街头谈笑的他和贝拉吗?夏加尔回忆妻子贝拉时曾说:“从过去到现在,她都穿着一身白衣白裙或黑衣黑裙翱翔于我的画中,照亮我的艺术之路。”从22岁与贝拉相识,到98岁去世,没有几个画家会用一生的时间来画一个女子。此刻,我理解了《诺丁山》中女主所说的,“没有湛蓝的天空,没有山羊拉小提琴,就不算是爱情”这句话。那湛蓝的天,那飞舞的小提琴,是夏加尔一生追寻的世界。在那里,爱情单纯而明亮、色彩斑驳又充满阳光。爱,是夏加尔最好的颜料,爱,让这个天才飞越尘世的晦暗与沉重,进入到另一个姹紫嫣红的世界。夏加尔终于用一辈子,找到了最美好的颜色。所以,在他心中贝拉并没有离开,而是一直夏加尔的心里,永远都在。7. 油画有没有存在的必要?
你好,亲,很开心回答你的问题
存在即合理,油画存在,是非常有必要的,为什么?
一就西方美术史而言,油画,从古至今,一直有存在的必要,而且作用很重要
西方美术史上,历经文艺复兴,新古典,浪漫主义,现实主义,印象主义,再到现代艺术
印象派时期,出现了照相机,促使画家们摒弃照片古典式的绘画风格,转而研究相机不能替代的艺术效果,比如光与色彩的艺术效果
印象派绘画,最能体现油画存在的必要性,因为它能表达照片不能表达的艺术效果
比如莫奈的花园油画,他画中光与色微妙丰富的色彩关系,不同光线下瞬息万变的色彩效果,是照片不能代替的艺术效果
那么,在印象派之前,绘画,担任了记录事件,记录生活,记录人物,记录文学的重要功能
文艺复兴古典绘画,记录宗教或者神话故事,英雄题材
如乔托的作品《犹大之吻》,记录的是宗教题材
比如新古典主义画家大卫的作品《荷拉斯兄弟之誓》,记录古罗马神话题材
所以照相机发明出现之前,油画存在的重要意义,就是记录宗教神话,生活,社会事件,历史事件的功能,而印象派时期,照相机出现,油画存在的意义变成,创作照相机表达不了的艺术效果
二也许亲会反驳,过去是过去,那么现在科技发达了,美图秀秀有油画,素描效果,那么油画还有没有存在的必要?
个人拙见,在当今科技发达的社会,美图秀秀把照片稍作处理,摇身一变就成了油画效果,但是,油画依然有存在的意义
且不说中国意象油画,其用油画材料表达中国画的意境,表达东方艺术的精神内涵,其艺术意境是照片远远不能达到的意境,这是意象油画存在的意义
也许亲会反驳,既然意象油画能表达照片不能达到的艺术效果,那么写实油画,古典油画提倡客观再现对象,那是不是就没有存在的意义?因为照片用美图秀秀处理,都会达到油画效果,又何必大费周章画出来?
其实不然,写实油画依然有其存在的意义,为什么?
因为写实油画,并不是单纯地把照片作为素材,然后原封不动地把照片搬到画布上
写实油画,构图尤为重要,许多大师作画,都是经过自己提炼,加工,构思而成,反复琢磨,并不是单纯像打印机复制照片
如画家广廷渤的写实油画《钢水·汗水》,画家以农民工为题材,但是画家这幅画主题性很强,画家并没有随便把几个农民工或者一群农民工随意搬上画布
画家为了表现农民工庄严的责任感,所以特别采用三角形构图,三角形构图具备稳定,庄严,静默的感觉,所以画家用三角形构图表达农民工的典型性,精神面貌
而美图秀秀,只是把单纯把照片处理成油画效果,并没有对照片进行艺术化的加工处理,提炼构思处理,所以就称不上是油画艺术
总结 油画存在的意义很重要,因为
一在西方美术,印象派时期之前,油画存在的意义是记录事件,生活,神话故事的功能
二自印象派之后,至今现在的现代油画,比如抽象油画,意象油画,其艺术效果,意境,创意是照片不能达到的,所以这就是油画存在的意义
三写实油画也有存在的意义,
写实油画并不是单纯地把照片原封不动地搬到画布上
写实油画构图尤为重要,许多大师作画,都是经过自己提炼,加工,构思而成,反复琢磨,并不是单纯像打印机复制照片
而美图秀秀,只是把单纯把照片处理成油画效果,并没有对照片进行艺术化的加工处理,提炼构思处理,绘画构图的处理,所以就称不上是油画艺术
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1. 大卫艾克,欧洲文艺复兴对西方现代绘画有哪些重要的影响?
没有它也就没有了西方现代绘画的今天——伟大的文艺复兴运动
文艺复兴所针对的就是中世纪的宗教艺术,如果从绘画的角度去看待当时的中世纪的艺术,真是让人搞不明白,为什么在古希腊和罗马的时代有那么辉煌的艺术,经过了一千多年的时间,在中世纪的艺术怎么就成了那种鬼样子。都说历史是不断向前发展的,我认为中世纪的艺术应该算是一种倒退,最起码也是一种停滞的状态。
——意大利 贝利尼作品《众神的聚餐》
文艺复兴的本源是为了重新认识和振兴古罗马和古希腊的文学和艺术,但实际是一种继承基础上的真正的发展和突破,可以说没有文艺复兴也就不会有现代绘画现在的局面,我个人认为思想的解放和理论与技术的革新是影响西方现代绘画最主要的两个方面。
——意大利 波提切利作品《唱歌的天使和圣母子》
一、思想上的解放
1、文艺复兴让绘画艺术脱离了中世纪宗教艺术的束缚和规范,解放了艺术家们的思想,让绘画成为了一种独立的艺术形式。这是人文主义思想的兴起,也是文艺复兴的核心。
——意大利 拉斐尔作品《西斯廷圣母》
2、从这时开始,艺术家们意识到了文学艺术要表现人的思想和感情,要发展人的个性并提倡个性自由,肯定了人才是生活的创造者,展现了无所不包的近代精神。艺术家们把圣母变成了凡间的妇女,把使徒神明的形象化为对人体的歌颂,也开始描绘现实当中人们的日常生活。
——意大利 米开朗基罗作品《创造亚当》
3、思想的解放也是艺术家们个性的释放,这也是时代发展的必然趋势,没有这种意识,也就不会有艺术上的发展和创新,现代艺术百家争鸣、百花齐放的局面也就不可能出现了。
——尼德兰 韦登作品 《基督降架》
二、绘画理论和技术上的革新
1、文艺复兴时期的艺术家们借助理性和科学的知识,在创作中开拓出新的局面。“透视法”的出现成为新的艺术诞生的决定性因素,他让画家可以创作出人人都能理解的生动的想象和场景,让绘画艺术成为一种再现性的艺术形式,开放了现实主义的先河,让从宗教艺术中独立出来的西方美术成为真正意义上的绘画。
——尼德兰 勃鲁盖尔作品《农民的婚宴》
2、在15世纪尼德兰画家杨·凡·艾克对于油画技术的重大革新,创造了以油性媒介作为调和剂的绘画技术,改变了以往蛋彩作画的各种弊病,这对于西方乃至全世界的绘画艺术都产生重大的影响。在此基础之上,后来经过威尼斯画派的进一步革新,油画开始在绷在木框上的帆布上进行创作了,至此才真正完善了我们今天还在应用的油画技术。
——意大利 乔尔乔纳《暴风雨》
3、当然,在文艺复兴运动中对于绘画艺术起到重大推动作用的还有一项内容,那就是“解剖学”,它让人们更深刻透彻地了解自己,在绘画中进一步追求准确性和严谨性。在这方面,伟大的达·芬奇功不可没。“解剖学”和“透视法”一样,并成为绘画史上影响最为深远的两大成就。
—— 意大利 提香《花神》
结语文艺复兴运动是一场伟大的思想解放运动,是一场科学与艺术的革新运动,他是中古时代与近、现代艺术的分水岭,有着真正的承上启下的、划时代的意义和推动的作用,在那个各种艺术流派风起云涌的时代,艺术大师层出不穷,为西方美术的发展奠定了崇高的地位,也为现代绘画的发展打下了坚实的基础。
——意大利 达·芬奇《耶稣像》
不同的视角,互通的视界,我是魔韵,欢迎同道互动关注交流。
2. 有科学家提出宇宙不存在?
有的科学家提出宇宙不存在,因为科学家是走在人类文明的最前端,毕竟他们所研究的都是实际生活中的“高”“精”“尖”的项目,以及变化莫测的神迷宇宙,很多成果都是探索研发之中!只是提出了想法,还有待进一步去验证,不论咋说,我只知道自己是宇宙世界里的一分子!
3. 有哪些名画隐含一些有趣的暗喻或者不为人知的小细节?
艺术家创作很多时候不能凭空想象,需要有现实的参照,作家笔下的人物有原型,画家笔下的人物有模特。欧洲历史上很多大画家都会把自己画进作品里,这样他们就能和自己的伟大作品一起流传后世了。这是画家的一点小私心,一种特别的签名方式,让自己和自己的作品融为一体,永不分离。比如文艺复兴三大师之一的拉斐尔,他就在他的代表作《雅典学院》的右下方画了自己的四分之三侧脸像。画中的拉斐尔目光直视画外,似乎在看向观众,告诉所有人“这就是我画的”。
雅典学院
拉斐尔本尊
拉斐尔把自己画进一群古典大师中间略有些自恋,不过他也没孤芳自赏,他还把另两位文艺复兴大师也画了进去。他让达·芬奇扮演站C位的柏拉图,让米开朗基罗扮演托腮思考问题的哲学家赫拉克利特。这两位位置都比拉斐尔自己显眼,算是对两位老前辈的尊敬。
一号男主达·芬奇
二号主角米开朗基罗
但也有人认为拉斐尔把米开朗基罗画成独自一人思考的赫拉克利特,是为了表现他的人缘差,没人愿意搭理他。这姑且算是一种说法,但达·芬奇和米开朗基罗两位则的确把他们讨厌的人画进过自己画里。
《最后的晚餐》是达·芬奇最著名的壁画作品,是他为米兰的圣玛利亚·格雷契修道院所画。看这幅画的人必然要找一找其中谁是叛徒犹大,而这个西方最著名的叛徒,他的形象却来源于这个修道院的院长。原来因为达·芬奇在作画过程中,经常要停下来思考,其中一个重要难题就是怎么画犹大。修道院院长不懂其中缘故,认为达·芬奇故意拖延工程进展,就催促他快点完工,达·芬奇立即就找到了答案,把犹大的脸画成了院长模样。这给后世编辑们提了个醒,不要催稿太甚。
最后的晚餐
犹大
另一位大师米开朗基罗脾气更差,惹了他更没好果子吃。在他的壁画代表作《最后的审判》右下方,有一个小JJ被蛇咬了的倒霉蛋,这个倒霉蛋的原型是教皇的一个司仪官,他一直很不喜欢米开朗基罗的画还经常批评他。于是米开朗基罗让他站在教堂入口的大门正上方,每一个进门的人都能看到他那副惨样,报复得够狠够痛快。
最后的审判
疼!
文艺复兴三大师也是凡人,也有喜怒哀乐,也会快意恩仇。他们把讨厌的人画进画里,给他们安排反面和倒霉的角色,这和我们今天恶搞P图是差不多的心理。被恶搞的人心里肯定不舒服,但也没什么办法,你没法证明那个人就是你。就算坐实是你,那也不过是一个角色扮演而已,太过介意显得小家子气。
有些画家自己都不介意,他们甚至给自己安排不好的角色,比如巴洛克主义大师卡拉瓦乔,和拉斐尔的自恋相比,他却是反向的自虐。在《手提歌利亚头的大卫》中,大卫手里提的那个巨人脑袋其实是卡拉瓦乔自己的头像,他完美诠释了那句话,我疯起来连自己都打。
手提歌利亚头的大卫
艺术家和普通人不一样,普通人受气了,顶多心里骂几句,或者画个圈圈诅咒你,艺术家却真的能把你画进他的作品里,不仅他自己能痛快一阵,万一作品成了传世名作,还会有后世无数人来看你的笑话。
所以,总而言之,不要轻易得罪艺术家。
4. 大卫艾克怎样死的?
大卫艾克是一位英国作家、演讲者和足球运动员,他于1952年4月29日出生于英国莱斯特。我不确定你是在问他的死因还是他的原型,但是我可以告诉你他的原型是一个名叫David Icke的人,他是一个神秘学者和调查者。
5. 为什么欧美国家的人喜欢画裸体画?
这与西方源远流长的,社会历史、文化环境和审美偏好,有着重要关系。
早在西方油画出现之前,人体形象,裸露的女子形象,就已是西方文化艺术表现的主要载体之一。
默默在这里,就主要讲讲,自公元前800年古希腊开始,到19世纪的印象派时期,这段时期内,艺术中不断变化的【女性人体】形象。
古希腊时期的女性人体形象,现今流传并保存下来的,大多是雕塑作品,著名的代表如《尼多斯的维纳斯》《断臂的维纳斯》等,古希腊对于女性之美的表达,是纯洁、静美,一种理想美的状态。
古希腊对女性人体之美的审美,是纯洁、矜持,而克制的。古希腊这种审美,极大且极深地影响了,其后西方艺术对于女性人体之美的标准。
到了中世纪,在基督教是当时社会主流的大环境下,女性的形象,总是以圣母角色出现。中世纪作品的圣母,基本上都是僵成化的,她们的脸上没有过多的表情,看着总是冷冰冰的。
在进入文艺复兴时期时,女性形象有了明显的变化。文艺复兴的核心思想“人文主义”,在女性形象、尤其是裸露的女性形象上,有着深刻的体现。虽然文艺复兴时期的画作,很大一部分都是以神话、宗教为题材,但女子们的形象,从冷冰冰的“出尘脱俗”,逐渐回归到了人间的“喜怒哀伤”。
最突出的例子是,文艺复兴三杰中的拉斐尔,他笔下的圣母形象,有了明显的人性色彩,圣母不再是那高高在上、冷冰冰地俯瞰尘世的姿态,更加接近人们生活中,慈爱母亲的形象。
比如说拉斐尔著名的《草地上的圣母》、《花园中的圣母》、《西斯廷圣母》等,从这些作品中,就能非常直观的看到,文艺复兴时期画家们,对于女性人物的感受和描绘,有了很大的进步和表现。
文艺复兴后期,威尼斯的大师提香,又将女子形象融入了繁华富庶的人间世界,他笔下的女性人体,总是姿态娇娆、色彩丰富而艳丽。
而巴洛克代表大师鲁本斯,则将女性形象又作了一个大推进:鲁本斯拓展了女性人体,在艺术绘画中的表现疆域。鲁本斯用他笔下的女性形象告诉世人,除了主流审美下的女子窈窕之美,现实生活中的“丰腴、壮硕、腰粗屁股大”,也可以有另外一番美感。
而到了19世纪的印象派,女性人物形象、画中出现的裸体女子形象,可以说有了真正意义上的,巨大改变和进步。
为什么这么说?因为印象派,重新定义、表现,并且挖掘出,女性人体形象,刻画的全新角度和意义。
非常典型的例子是,“印象派之父”马奈,和他那幅引起当时社会巨大反响,和舆论的《草地上的午餐》。
在《草地上的午餐》之前,西方绘画中所出现的裸女形象,所描绘的是【女神】,而不是现实中的【女人】,马奈这么做,就等于给传承几百年来的古典艺术传统,以重重一击。
在马奈的《草地上的午餐》中,两位衣冠楚楚的绅士,和一位浑身赤裸的女子,公然坐在一处,在草地上共进午餐。而且这位画中女子,是现实中一位风月场所的女子,画中女子目光坦然面向着观众,女性形象在作品中,自此开始有了“自我”的意识。
马奈和他之后的印象派画家们,在绘画题材上大胆出新,追求情感、和绘画表现的更多自由,为绘画的创作打开了更大更广阔的空间。
在他们的笔下,【女性形象,女性人体】,已经不再是千篇一律的形象和符号,而是开始有了自我意识,和各自独特的魅力。
其实在中国绘画中,女性人物形象的作品,也并不少见,但基于历史文化、审美观念等的不同,所呈现出的效果大为不同。
比如说著名《洛神赋图》、《唐宫仕女图》、《韩熙载夜宴图》,还有敦煌壁画中的绝美飞天,在这些作品中,画中女子形象,基本上大都是宽袍大袖、着衣批带,这和西方的人体艺术作品相比,则是另外一种完全不同的美感了。
喜欢的话,欢迎点赞关注。我是默默,持续分享有趣有料的精彩作品~6. 有哪些绘画作品表现的是爱情婚姻的意义?
第一次听说夏加尔是在1999年的英国爱情电影《诺丁山》中,女主在男主的家里发现了夏加尔的一幅名画复制品《 La mariee (新娘) 》然后有了下面这段经典对话
电影中指的就是夏加尔的这幅画《 La mariee (新娘) 》为什么没有湛蓝的天空,没有山羊拉小提琴就不叫爱情了呢?实在不太理解这句话的意思,这导致我对夏加尔充满了好奇。夏加尔是个画家虽然他和毕加索是好朋友,但是不同于毕加索在童年时期受到了专业的绘画教育,童年的夏加尔出身在白俄罗斯的一个贫困犹太家庭。俄国西部的小城,夏加尔的故乡《老维捷布斯克》| 1914宗教信仰视其绘画的才能为一种反叛,所以早年的夏加尔十分的害羞与不自信。1910年,夏加尔只身前往巴黎,开始接触到了更多前卫大胆的艺术思潮。这一点点改变了夏加尔的创作观念,他也逐渐找到了释放内心纯真意象的途径。《我与村庄》这幅温暖而充满恋乡情节的成名作就是在这种释放中诞生的。《我与村庄》I and the Village | 1911『即使来到巴黎,我的鞋上仍沾着俄罗斯的泥土,我不能也无法把俄罗斯的泥土从我的鞋上掸掉。』——马克·夏加尔从这幅成名作中,已经能感受到夏加尔作用于人心的色彩象征力。就连毕加索也说:马蒂斯死后,夏加尔是唯一理解色彩的艺术家正如每一位艺术家都具有属于他个人的命定色调。对色彩如此痴迷和热爱的夏加尔也在一直在寻找他生命中最好的颜色。直到他遇到了他的妻子贝拉贝拉是珠宝商的女儿家境优渥 清丽高贵22岁的惨绿青年邂逅了少女贝拉,他意识到,她是命运对他的恩赐。还记得在小镇河边的桥上,他们第一次相遇的情景,男孩羞涩不语,只有河水发出的潺潺声。夏加尔在第一次见到贝拉的时候写道:“她的沉默,她的眼睛,一切都是我的。她了解过去的我、现在的我,甚至未来的我。”有人说,初次见面就感觉到了离别的隐痛,你必定爱上她了。尽管遭遇家庭的反对和社会的阻挠,夏加尔和蓓拉依旧无所顾忌地相爱了。《蔷薇色恋人》热恋时夏加尔把恋人描绘在画布上。色调唯美甜蜜,在蔷薇色的映衬下,一对恋人目光缠绵。结婚之后,贝拉更是成了夏加尔画中永恒的主角《百合花下的恋人》《恋人》《蜡烛下的恋人》《蓝色恋人》《灰色恋人》《街道上空的恋人》《飞跃埃菲尔铁塔的恋人》可以说,贝拉装饰了夏加尔的梦。不论何时何地,只要有贝拉在的地方,都美成一幅画。1914年7月7日,夏加尔不记得当天是自己的生日,贝拉特意穿上长裙,早早在郊外采摘了带有泥土芬芳的鲜花,还有亲手制作食物来到夏加尔的画室。《生日》夏加尔再也忍不住他的情感,在贝拉插花的时候,调皮的轻轻一个回首吻,让腼腆的贝拉顿时瞪大了眼睛,但是却是充满了幸福的错愕感。18天后,他向她求婚。此后,每年结婚纪念日,夏加尔都为妻子作画。『只要一打开窗,她就出现在这里,带来了碧空,爱情与鲜花。』——夏加尔美丽的贝拉总是牵着夏加尔的手,在天空和大地间飞翔,左下角炽热的红色美的耀眼夺目。爱,大概真的能让人飞起来吧。婚后他们有了孩子,夫妻两一起给儿子洗澡,画面里少了往日的绚丽,多了一分朴实的幸福。贝拉是夏加尔的灵感缪斯,款款深情全在笔墨中,她像蓝水晶般闪耀,像晕眩整个春天的蔷薇那般明媚…鲜亮绚丽的色泽,飞在天上的红色骏马,手捧鲜花的爱人…贝拉的爱倾洒在画板上,或如蓝水晶般的碧蓝,或如满目迷眼的炽红,或如波浪翻滚的油绿色。他用画笔和颜料表达爱,她用小提琴拉奏颂歌,夏加尔的画笔,因为妻子贝拉奏出了天籁。夏加尔说:“爱,是最美的颜色”伴随着不断成长的夏加尔颠沛流离,功成名就。此刻,我对夏加尔爱的信仰深信不疑。二战期间,随着对犹太人迫害的加重,在维希政府发布了反犹太法令,几度犹豫后,他们最终下定决心前往美国避难。那幸福的生活,那些爱情的颜色在1944年戛然而止。那是夏加尔一生中最黑暗的一天在药物缺乏的条件下,贝拉因肺病去世,留下了他孤身一人。多年陪他的爱人就这样,突然消失了。他哽咽地说:“在我眼前,每件事都变成了黑色。”对他来说,这是此生最大的悲恸,整整九个月他的世界失去了色彩,都是昏暗的一片,几乎无力拿笔作画。终于,几年后,夏加尔忍着极大的悲伤,为她画了《献给过去》这张“暗蓝色”色调的画作,时刻抽动着夏加尔内心深处的忧郁与哭泣的灵魂,从前画里的甜蜜、跳跃、愉悦、梦幻荡然无存。自从贝拉走了以后,那一抹蓝,便再也抹不掉。《蓝色的钟》在夏加尔去世前三年,而贝拉也离开他快40年了。画里依然是家乡维捷布斯克,依然是贝拉。右上角的画家转头看着那对情侣——那不是青年时在家乡街头谈笑的他和贝拉吗?夏加尔回忆妻子贝拉时曾说:“从过去到现在,她都穿着一身白衣白裙或黑衣黑裙翱翔于我的画中,照亮我的艺术之路。”从22岁与贝拉相识,到98岁去世,没有几个画家会用一生的时间来画一个女子。此刻,我理解了《诺丁山》中女主所说的,“没有湛蓝的天空,没有山羊拉小提琴,就不算是爱情”这句话。那湛蓝的天,那飞舞的小提琴,是夏加尔一生追寻的世界。在那里,爱情单纯而明亮、色彩斑驳又充满阳光。爱,是夏加尔最好的颜料,爱,让这个天才飞越尘世的晦暗与沉重,进入到另一个姹紫嫣红的世界。夏加尔终于用一辈子,找到了最美好的颜色。所以,在他心中贝拉并没有离开,而是一直夏加尔的心里,永远都在。7. 油画有没有存在的必要?
你好,亲,很开心回答你的问题
存在即合理,油画存在,是非常有必要的,为什么?
一就西方美术史而言,油画,从古至今,一直有存在的必要,而且作用很重要
西方美术史上,历经文艺复兴,新古典,浪漫主义,现实主义,印象主义,再到现代艺术
印象派时期,出现了照相机,促使画家们摒弃照片古典式的绘画风格,转而研究相机不能替代的艺术效果,比如光与色彩的艺术效果
印象派绘画,最能体现油画存在的必要性,因为它能表达照片不能表达的艺术效果
比如莫奈的花园油画,他画中光与色微妙丰富的色彩关系,不同光线下瞬息万变的色彩效果,是照片不能代替的艺术效果
那么,在印象派之前,绘画,担任了记录事件,记录生活,记录人物,记录文学的重要功能
文艺复兴古典绘画,记录宗教或者神话故事,英雄题材
如乔托的作品《犹大之吻》,记录的是宗教题材
比如新古典主义画家大卫的作品《荷拉斯兄弟之誓》,记录古罗马神话题材
所以照相机发明出现之前,油画存在的重要意义,就是记录宗教神话,生活,社会事件,历史事件的功能,而印象派时期,照相机出现,油画存在的意义变成,创作照相机表达不了的艺术效果
二也许亲会反驳,过去是过去,那么现在科技发达了,美图秀秀有油画,素描效果,那么油画还有没有存在的必要?
个人拙见,在当今科技发达的社会,美图秀秀把照片稍作处理,摇身一变就成了油画效果,但是,油画依然有存在的意义
且不说中国意象油画,其用油画材料表达中国画的意境,表达东方艺术的精神内涵,其艺术意境是照片远远不能达到的意境,这是意象油画存在的意义
也许亲会反驳,既然意象油画能表达照片不能达到的艺术效果,那么写实油画,古典油画提倡客观再现对象,那是不是就没有存在的意义?因为照片用美图秀秀处理,都会达到油画效果,又何必大费周章画出来?
其实不然,写实油画依然有其存在的意义,为什么?
因为写实油画,并不是单纯地把照片作为素材,然后原封不动地把照片搬到画布上
写实油画,构图尤为重要,许多大师作画,都是经过自己提炼,加工,构思而成,反复琢磨,并不是单纯像打印机复制照片
如画家广廷渤的写实油画《钢水·汗水》,画家以农民工为题材,但是画家这幅画主题性很强,画家并没有随便把几个农民工或者一群农民工随意搬上画布
画家为了表现农民工庄严的责任感,所以特别采用三角形构图,三角形构图具备稳定,庄严,静默的感觉,所以画家用三角形构图表达农民工的典型性,精神面貌
而美图秀秀,只是把单纯把照片处理成油画效果,并没有对照片进行艺术化的加工处理,提炼构思处理,所以就称不上是油画艺术
总结 油画存在的意义很重要,因为
一在西方美术,印象派时期之前,油画存在的意义是记录事件,生活,神话故事的功能
二自印象派之后,至今现在的现代油画,比如抽象油画,意象油画,其艺术效果,意境,创意是照片不能达到的,所以这就是油画存在的意义
三写实油画也有存在的意义,
写实油画并不是单纯地把照片原封不动地搬到画布上
写实油画构图尤为重要,许多大师作画,都是经过自己提炼,加工,构思而成,反复琢磨,并不是单纯像打印机复制照片
而美图秀秀,只是把单纯把照片处理成油画效果,并没有对照片进行艺术化的加工处理,提炼构思处理,绘画构图的处理,所以就称不上是油画艺术
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